Romantismo e Música: a conversão da música em uma “massa narcótica” em escala global.


Construir movimentos coletivistas com uma cultura coletivista radical e afastar-se do individualismo e do irracionalismo da cultura romântica dos séculos XIX e XX é um passo necessário em direção à mudança política real. A música, de todas as artes, pode ser uma força poderosa na criação de uma consciência coletiva.

“Narcótico: medicamento que produz analgesia (alívio da dor), narcose (estado de estupor ou sono) e vício (dependência física da droga). Em algumas pessoas, os narcóticos também produzem euforia (sensação de grande euforia)”.

    O que é Consciência Coletiva?

    Como suas crenças se alinham com as crenças dos outros na sociedade? O que une as pessoas dentro de uma sociedade, pelo menos até certo ponto? Como você se vê não apenas como indivíduo, mas como parte da sociedade mais ampla? Uma explicação para questões como essas vem da teoria da consciência coletiva.

    Em sociologia e ciências sociais relacionadas, a ideia de consciência coletiva vem do teórico e sociólogo francês Emile Durkheim. Consciência coletiva é toda sobre a compreensão do que faz a sociedade funcionar.

    Para Durkheim, indivíduos na sociedade – enquanto todos nós temos nossa própria consciência individual – também compartilham uma solidariedade uns com os outros. Trabalhamos juntos de muitas maneiras e nossa consciência coletiva é o que permite que isso aconteça.

    Basicamente, a consciência coletiva é uma constelação de idéias, crenças e valores que um grande número de indivíduos em uma dada sociedade compartilha.

    Teoria da Consciência Coletiva

    A teoria da consciência coletiva originou-se em um livro que Durkheim escreveu intitulado Divisão do trabalho na sociedade em 1893. Um pequeno contexto: Durkheim estava escrevendo sobre o surgimento de sociedades industrializadas, que marcavam uma virada de mais simplista, ou para usar a palavra de Durkheim. formas primitivas da sociedade para formas mais complexas.

    Durkheim observa que a consciência coletiva emerge tanto nas sociedades primitivas quanto nas modernas, mas de maneiras diferentes. Lembre-se no início da palestra quando mencionamos a palavra solidariedade? Isso é fundamental para a consciência coletiva, e Durkheim escreveu sobre dois tipos diferentes de solidariedade.

    Ele acreditava que as sociedades primitivas operavam através da “solidariedade mecânica”. Aqui, porque as sociedades eram algo simples e bastante homogêneas (ou seja, poucas diferenças baseadas em raça, classe ou ocupação), elas se ligavam por meio de crenças e valores compartilhados.

    Dito de outra forma: essas sociedades eram simples o suficiente para não ser muito difícil fazer com que as pessoas compartilhassem um sistema de crenças. A religião era uma fonte particularmente importante de solidariedade, pois a maioria das pessoas tinha isso em comum.

    Mas a história é um pouco diferente para sociedades mais complexas. Aqui, quando há muito mais divisões na sociedade, precisamos de algo um pouco mais do que solidariedade mecânica para desenvolver uma consciência coletiva.

    O surgimento de uma divisão maior do trabalho é fundamental aqui. Quando temos uma grande divisão de trabalho, ou o número, tipo e status das ocupações, Durkheim sugeriu o conceito de “solidariedade orgânica”.

    Aqui, a solidariedade vem menos de crenças religiosas compartilhadas (embora elas ainda sejam importantes) e mais do fato de que, em sociedades mais complexas, as pessoas confiam umas nas outras para manter o funcionamento da sociedade. Nós temos um nível mais profundo de solidariedade uns com os outros.

    Em sociedades complexas, várias instituições sociais diferentes contribuem para manter uma consciência coletiva. Isso inclui religião, mas também política, mídia, escolas, famílias e economia.

    A consciência coletiva existe como algo maior que os indivíduos que compõem uma sociedade. Pode abranger gerações e encapsula coisas que a maioria das pessoas na sociedade tem em comum. Mas isso não significa que os indivíduos não sejam importantes. As pessoas são fundamentais para internalizar crenças compartilhadas e depois reproduzi-las ou transmiti-las.

Introdução

O romantismo é um movimento filosófico do século XIX que teve uma influência profunda na música que ainda pode ser vista até hoje. Suas principais características musicais são a ênfase nos contrastes pessoais e dramáticos, o excesso emocional, o foco no noturno, o fantasmagórico e o espantoso, a espontaneidade e o subjetivismo extremo. O romantismo na cultura implicava uma virada para dentro e encorajava a introspecção. Como Hegel escreveu:

    “Todo o conteúdo [da arte romântica] está, portanto, concentrado na vida interior do espírito”.

A música influenciada pelo romantismo aumentou dramaticamente o público desde os primeiros teatros do século XIX até os concertos populares de massa da era moderna. O romantismo transformou a música de uma força progressista na sociedade em uma experiência individualista narcótica e auto-indulgente. Nos tempos modernos, ela foi industrializada e comercializada e vende individualismo e impotência política para as próprias pessoas que recorrem a ela para consolo do desespero em uma sociedade altamente alienada.

O aspecto mais lamentável dessa alienação é que a música se tornou cada vez mais distante dos movimentos das pessoas para uma mudança progressiva. No passado, a música progressiva, ou seja, a música que estava em sintonia com a história das lutas políticas das pessoas, tendia a vir das próprias pessoas, na forma de baladas ou músicas de compositores progressistas e letristas. Com a comercialização da indústria da música pop no século XX, a música mudou de algo para ser consumido em massa, em vez de ser produzido por pessoas em uma base local – escrevendo, tocando ou cantando, como era no passado com os baladeiros, coros e compositores progressistas.

Aqui, veremos a influência do Romantismo na música do período clássico dos séculos XVIII e XIX até o desenvolvimento da indústria da música pop no século XX. Também serão examinados compositores e cantores que resistiram à pressão da influência romântica e escreveram e tocaram músicas que estavam arraigadas em dificuldades e lutas e uma consciência das questões e crises internacionais que afetavam as pessoas comuns desses países.

Música Clássica – “estruturas devem ser bem fundamentadas”

Enquanto a música clássica em geral tem um significado amplo, o período clássico foi uma era de música clássica entre aproximadamente 1730 e 1820. O respeito iluminista pela política, estética e filosofia da antiguidade clássica (classicismo) combinada com o desenvolvimento da “filosofia natural” precursor das ciências naturais – teve um efeito profundo sobre a música: “A física de Newton foi tomada como um paradigma: as estruturas devem ser bem fundamentadas em axiomas e serem bem articuladas e ordeiras”. O efeito das idéias iluministas sobre a música clássica era marca uma mudança para uma textura mais clara e clara em comparação com a música barroca que veio antes dela.

Assim, as descobertas na ciência afetaram ou influenciaram amplamente a cultura em geral. Ao mesmo tempo, desenvolvimentos técnicos em instrumentos musicais e o aumento no tamanho e padronização de orquestras mudaram a forma como a música era tocada. Os maiores compositores dessa época foram Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Joseph Haydn, Christoph Willibald Gluck, Johann Christian Bach, Luigi Boccherini, Carl Philipp Emanuel Bach, Muzio Clementi, Antonio Salieri e Johann Nepomuk Hummel.

Joseph Haydn tocando Quartetos.

Música romântica – “mais explicitamente expressiva e programática”

O romantismo originou-se no final do século XVIII, principalmente como uma reação à Era do Iluminismo e à Revolução Industrial, que foram percebidos como usando a ciência para destruir a natureza e o modo tradicional de vida do homem. A ênfase romântica no sentimento estava em contraste direto com as idéias iluministas de progresso com razão e ciência sendo a principal fonte de conhecimento. Os filósofos e cientistas do Iluminismo desejaram afastar-se do feudalismo e do escolasticismo da Idade Média dominada religiosamente. Infelizmente, os artistas, compositores e poetas românticos tiveram um novo interesse em aspectos do medievalismo que os filósofos do Iluminismo tentaram derrotar. Idéias iluministas também foram adotadas pelas novas elites que usavam a ciência de maneiras exploradoras tão odiadas pelos românticos.

No entanto, apesar da impressão que se pode obter da ênfase romântica na emoção, as idéias iluministas não eram desprovidas de sentimento. Anthony Ashley Cooper, 3º Conde de Shaftesbury (1671 – 1713) acreditava que todos os seres humanos tinham uma “afeição natural” ou uma sociabilidade natural que os unia. Francis Hutcheson (1694 – 1746) escreveu que “Todos os homens têm os mesmos afetos e sentidos”, enquanto David Hume (1711-1776) acreditava que os seres humanos estender sua “identificação imaginativa com os sentimentos dos outros” quando é necessário. Da mesma forma, Adam Smith (1723 – 1790), o escritor da Riqueza das Nações, acreditava no poder da imaginação para nos informar e nos ajudar a entender o sofrimento dos outros. [1]

A reação romântica em relação à música clássica e os ideais do Iluminismo em um sentido não foi surpreendente, dado o fracasso dessas idéias, em última análise, na Revolução Francesa. Como Friedrich Engels escreveu em Anti-Dühring em 1877:

    “Os filósofos franceses do século XVIII, os precursores da Revolução, apelaram à razão como único juiz de tudo o que é. Um governo racional, sociedade racional, deveria ser fundado; tudo o que contrariava a razão eterna era para ser eliminado sem remorso. Vimos também que essa razão eterna era, na realidade, nada mais que a compreensão idealizada do cidadão do século XVIII, evoluindo para a burguesia. A Revolução Francesa tinha percebido essa sociedade racional e governo. Mas a nova ordem das coisas, suficientemente racional em comparação com as condições anteriores, não se mostrou absolutamente racional. O estado baseado na razão desmoronou completamente ”.

Como observa Engels, isso resultou no Reino do Terror e, depois, no despotismo napoleônico. Os ideais dos filósofos do Iluminismo foram destruídos por uma intensificação da competição. Ele escreve:

    “A prometida paz eterna foi transformada em uma interminável guerra de conquista. A sociedade baseada na razão não se saiu melhor. O antagonismo entre ricos e pobres, em vez de se dissolver na prosperidade geral, tornou-se intensificado pela remoção da guilda e de outros privilégios, que em certa medida a haviam superado, e pela remoção das instituições de caridade da Igreja. O desenvolvimento da indústria em bases capitalistas tornou a pobreza e a miséria das massas trabalhadoras condições de existência da sociedade ”.

Então, como são os românticos mais associados às idéias revolucionárias da época? Por que eles foram vistos pelos críticos e historiadores como reacionários ou politicamente irrelevantes? De acordo com Max Blechman no Romantismo Revolucionário:

    “Os primeiros românticos eram revolucionários: não porque acreditassem numa insurreição política em sua pátria […] mas porque através da expressão pública esperavam redefinir o sentido do progresso e revolucionar os valores da civilização moderna.” […] Romantismo na Alemanha ( como na França e na Inglaterra) foi um movimento [sempre mutante], e os escritos dos românticos formativos foram contraditos pelos dos românticos tardios, alguns dos quais romperam com o idealismo dos primeiros românticos para várias formas de conservadorismo. ”[2]

Os românticos, em vez de questionar a base de classe da sociedade que se tornava cada vez mais acentuadamente delineada, remontavam à vida, à religiosidade e à cultura mais simples da Idade Média. A idéia de heróis cavalheirescos, a natureza mística e sobrenatural, intocada e a segurança das crenças espirituais formaram a base de uma nova cultura de indivíduos e heróis que lutavam contra a modernidade grosseira. Compositores românticos colocam muito mais ênfase em mostrar seus pensamentos e sentimentos mais íntimos sobre amor, ódio e morte através de expressões poderosas de emoção. A música romântica desenvolveu “o uso de estruturas musicais novas ou anteriormente não tão comuns como o ciclo da música, o noturno, o concerto, o arabesco e a rapsódia, ao lado dos gêneros clássicos tradicionais”.

Em geral, a música romântica era “mais explicitamente expressiva e programática” e concertos públicos eram realizados para a classe média urbana em comparação com os períodos anteriores, quando eles eram principalmente o domínio dos aristocratas. A seção de cordas foi ampliada e o piano substituiu o cravo como acompanhamento de músicas (lieder), como a Winter Journey de Schubert. Os principais compositores do estilo romântico foram Schubert, Brahms, Berlioz, Tchaikovsky, Mendelssohn, Dvorak, Chopin, Grieg, Schumann, Rimsky-Korsakov, Liszt, Elgar e Wagner.

Muitos desses compositores também foram associados a essa grande combinação de romantismo e política – o nacionalismo – e compuseram músicas com músicas folclóricas, ritmos dançantes e lendas locais para esse fim. À medida que os líderes nacionalistas desenvolviam ideias de raça e uma nação unificada (geralmente baseada em territórios que continham muitos grupos étnicos e culturais diferentes), os compositores criaram a trilha sonora musical para a crescente centralização e homogeneização dos estados modernos. Um dos aspectos mais negativos das estruturas políticas nacionalistas foi a Primeira Guerra Mundial, em que os povos desses estados relativamente novos se confrontaram no estilo das monarquias feudais anteriores: no interesse exclusivo de seus líderes.

Hanns Eisler – “Nem sempre é possível escrever músicas otimistas”

Enquanto o romantismo atingiu o seu pico durante o período de 1800 a 1850, sua influência continuou durante todo o século XX. Hanns Eisler (1898-1962) foi um compositor austríaco que lutou em um regimento húngaro durante a Primeira Guerra Mundial, resistindo aos efeitos debilitantes do romantismo em sua música. Depois da guerra, ele se tornou mais e mais radicalizado e se jogou na política de classe do dia. Eisler teve uma longa associação artística com Bertolt Brecht:

    “Eisler escreveu música para várias peças de Brecht, incluindo The Decision (Die Maßnahme) (1930), The Mother (1932) e Schweik na Segunda Guerra Mundial (1957). Eles também colaboraram em canções de protesto que comemoraram e contribuíram para a turbulência política da Alemanha de Weimar no início da década de 1930. Sua Canção Solidária tornou-se um popular hino militante cantado em protestos de rua e reuniões públicas em toda a Europa, e sua Balada do Parágrafo 218 foi a primeira música do mundo protestando contra as leis contra o aborto. As canções de Brecht-Eisler desse período tendiam a olhar a vida de “baixo” – da perspectiva de prostitutas, prostitutas, desempregados e trabalhadores pobres. Em 1931-32 ele colaborou com Brecht e o diretor Slatan Dudow no filme da classe trabalhadora Kuhle Wampe. ”

Hanns Eisler (esquerda) e Bertolt Brecht, seu amigo íntimo e colaborador, Berlim Oriental, 1950.

A conexão de Eisler com a política de classe e as lutas do povo são demonstradas em sua consciência dos problemas de composição em tempos difíceis. Ele afirmou: “É: consciência-reflexão-depressão-reavivamento – e novamente consciência … Deve ser feito assim, do contrário não é bom. Nem sempre é possível escrever canções otimistas … é preciso descrever o que acontece de cima para baixo, cantar e comentar sobre ele. ”[3] A dialética do processo de consciência e reflexão ajudou-o a trabalhar com idéias que são pesarosas sem cair em um estado de resignação. Em uma de suas canções, Ernste Gesänge, para solo de barítono e orquestra de cordas, Albrecht Betz observa:

    “A terceira música, ‘Verweiflung’ [Despair], é um fragmento do famoso poema de Leopardi,“ A se stesso ”; Eisler condensou-o e libertou-o de todas as suas características do descontentamento romântico. A tristeza, assim como a raiva ocasional, é sublimada na composição”. [4]

Da mesma forma, na prática musical, Eisler também evitou o elemento romântico: “Eu fico sempre horrorizado ao ouvir um grupo de trabalhadores sindicalizados, endurecido por muitas lutas de classe cantando,“ La, la, la, la, la, la, laaaa, aaaa, ”Ou“ Estou tão solitário quando me lembro de você ”[5]. Eisler e Brecht tinham muito em comum. Ambos tinham “uma atitude anti-romântica” e “uma rejeição do psicológico e do autobiográfico”. Betz escreve:

    “Ambos tinham em vista o ‘evitar os efeitos narcóticos’ da arte, o objetivo de realizar experimentos de modo a levá-la ao auge da racionalidade que corresponderia à era científica em que viviam e, acima de tudo, armar com ela uma teoria que racionalizaria as funções desta arte. ”[6]

Woody Guthrie – “Esta máquina mata fascistas”

Guthrie com o violão rotulado “Esta máquina mata os fascistas” em 1943.

Outro compositor cantor que também evitaria os “efeitos narcóticos” da música foi Woody Guthrie (1912-1967). Criado em Oklahoma, EUA, Woodrow Wilson Guthrie foi um cantor e compositor americano, uma das figuras mais significativas da música popular americana. Guthrie escreveu centenas de músicas políticas, folclóricas e infantis, além de baladas e obras improvisadas. Uma de suas canções mais famosas “This Land Is Your Land” foi inspirada em sua reação ao programa “God Bless America”, de Irving Berlin, na rádio.

Guthrie experimentou dificuldades em primeira mão quando se juntou aos milhares de imigrantes indo para a Califórnia para procurar trabalho durante o período do Dust Bowl. Ele ficou preocupado com as condições de vida suportadas pelos trabalhadores e começou a escrever canções sobre desemprego, migração, sindicatos, lutas trabalhistas e canções antifascistas. Toda a sua vida ele acreditava no poder da música para mudar a sociedade e as atitudes das pessoas. Ele se apresentava regularmente e escrevia milhares de músicas, poemas e prosa refletindo a vida das pessoas da classe trabalhadora, resumindo-as na concisa declaração: “Tudo o que você pode escrever é o que vê.”

Nueva Canción – “oposição em todos os aspectos”

Na década de 1960, um movimento de contracultura estava fazendo incursões na cultura popular com movimentos como Nueva Canción (Nova Canção) na Argentina, Chile e Espanha, a greve geral centrada em Paris em maio de 1968 na França, bem como o Movimento dos Direitos Civis nos EUA. O movimento Nueva Canción (NC) começou no Chile e logo se espalhou por toda a América Latina. Passou por três fases principais no Chile: “A primeira foi de protesto, a segunda de engajamento político direto e a terceira se afastou do engajamento político direto para se concentrar em glorificar e documentar a vida das pessoas que trabalham.” Em um nível formal, Nueva Cancion usou “instrumentos musicais não convencionais em suas composições, como os estilos tradicionais, e seus padrões rítmicos, progressões harmônicas e escalas associadas à música folclórica, bem como instrumentos andinos em seus arranjos. As canções eram, assim, opostas em todos os aspectos à nova cultura “invasora” e incorporadas no som e no conteúdo, algo novo, mas ao mesmo tempo familiar, que parecia apelar para uma massa de chilenos”.

Parra na década de 1960.

Compositores como Violeta Parra (1917 – 1967) [também compositora, folclorista, etnomusicóloga e artista visual] e o cantor, compositor, guitarrista e escritor argentino, Atahualpa Yupanqui (1908 – 1992) foram duas das figuras mais importantes e influentes do movimento musical popular Nueva Canción que “era anti-imperial em sua postura contra a música americana e européia comercializada, enquanto seu conteúdo abrangia muitas questões associadas aos povos da região, tais como “pobreza, fortalecimento, imperialismo, democracia, direitos humanos, religião e identidade latino-americana”.

Eles lideraram um movimento que era anti-romântico na medida em que lutavam contra os efeitos narcóticos da música individualista, introspectiva e introspectiva e, ao invés disso, encorajavam uma virada para fora, uma abertura e interesse na sociedade e sua posição naquela sociedade, uma atitude positiva em relação a como a sociedade poderia ser mudada para melhor.

Jazz, Pop e Rock – “parte da indústria do entretenimento”

No início do século XX, o jazz foi uma forma popular de música entre os oprimidos, mas foi vítima da comercialização. Como Tim Blanning diz:

    “Desde o momento em que surgiu, no final do século XIX, o jazz se encaixava muito bem com a estética romântica, pois não era nada além de espontâneo, improvisatório e individual. Suas origens afro-americanas também o tornaram o aliado potencial dos movimentos de libertação. Durante grande parte do século XX, no entanto, por toda a capacidade do jazz de expressar o sofrimento e as aspirações de uma comunidade oprimida, o gênero fazia parte da indústria do entretenimento.”[7]

No entanto, na década de 1970, a música pop comercializada havia recuperado a vantagem novamente, começando no final dos anos 1960, quando os Beatles abriram o caminho para algumas das músicas mais auto-indulgentes já compostas, frequentemente descritas como rock “progressivo”.

Durante o início dos anos 1960, os Beatles continuaram um estilo rock and roll animado, desenvolvido por cantores como Bill Haley e Elvis Presley. No entanto, no final dos anos 1960, sob a influência da florescente cultura das drogas, o tom mudou e o romantismo ganhou vantagem. Sua música tornou-se “uma música introspectiva de auto-absorção, um meio adequado para comunicar intimidades autobiográficas, descontentamento político, elevação espiritual, convidar uma audiência, não para dançar, mas para ouvir – silenciosa, atentamente, pensativamente”. [8]

Embora a Guerra do Vietnã tenha sido a base de muitas manifestações radicais no final dos anos 1960 e tenha influenciado até mesmo as paradas da indústria da música pop, na década de 1970 a indústria do entretenimento se recuperou para produzir algumas das músicas mais tocadas e produzidas bandas de rock progressivo como Pink Floyd, Gênesis, Led Zeppelin etc. Durante os anos 1970, artistas como David Bowie e Eric Clapton se superaram, quando Bowie fez uma “saudação nazista” em Londres e Clapton afirmou que a Grã-Bretanha estava se tornando uma “colônia negra” num concerto em Birmingham, ambos em 1976.

De fato, em relação a Clapton, Blanning argumenta:

    “Indiscutivelmente o maior mestre vivo da guitarra, Clapton personificava a estética romântica: ‘O clássico Clapton volta para a platéia, a cabeça inclinada sobre o instrumento, sozinho com a agonia do blues – sugere um suplicante comungando com algo interior: uma musa ou um demônio … toda a sua carreira pode ser vista como uma busca por uma forma de expressar as emoções básicas do blues – medo, solidão, raiva e humor – de um modo pessoalmente válido”. [9]

Medo, solidão e raiva tornaram-se os pilares do Romantismo na música pop dos anos 1970 e 1980, música com Punk (“raiva é uma energia”), Morrissey (“o papa da droga”) e U2 (“Ainda não encontrei o que I’m Looking For“), sem mencionar os New Romantics e Heavy Metal. Em anos mais recentes, os álbuns Songs of Innocence e Songs of Experience do U2 fazem referência direta à coleção ilustrada de poemas de William Blake de mesmo nome. Blake foi um poeta, pintor e impressor inglês que é considerado uma figura seminal na história da poesia e das artes visuais da Era Romântica. Blake tinha crenças religiosas visionárias e se opunha à visão newtoniana do universo. [10]

Newton de Blake (1795) demonstra sua oposição à “visão única” do materialismo científico: Newton fixa seu olho em uma bússola (lembrando Provérbios 8:27, uma passagem importante para Milton) para escrever sobre um rolo que parece projetar-se desde a sua própria cabeça.

Johann Wolfgang von Goethe – “Classicismo é saúde, romantismo é doença”

Johann Wolfgang von Goethe (1749 – 1832), o escritor alemão famoso pelo romance As dores do jovem Werther (1774) é considerado um dos criadores do movimento romântico, mas mais tarde descreveu o romantismo como uma “doença”. . [11] O efeito da ‘doença’ romântica na música tem sido o de transformar isto para dentro e converter seus ouvintes em comedores de lótus modernos. Na Odisséia, Livro IX, Odisseu é desviado do curso, mas atinge uma terra habitada por pessoas que vivem de uma comida que vem de uma espécie de flor. Ele envia alguns homens para investigar, mas ao provar o lótus eles caem em uma apatia pacífica e perdem o interesse em ir para casa até Odysseus os arrasta para fora e sai imediatamente. Da mesma forma, muita música moderna tem um efeito narcótico sobre as audiências de massa, que são dominadas pela emoção e, ao mesmo tempo, atingem a catarse pessoal. [12]

Conclusão

As atuais crises geopolíticas envolvendo Venezuela, Síria, Iêmen, Irã, Palestina e China precisam de campanhas políticas de massa para conscientizar e pressionar contra os batimentos de uma terceira guerra mundial. Construir movimentos coletivistas com uma cultura coletivista radical e afastar-se do individualismo e do irracionalismo da cultura romântica dos séculos XIX e XX é um passo necessário em direção à mudança política real. A música, de todas as artes, pode ser uma força poderosa na criação de uma consciência coletiva. Compositores de música e música destacando as várias questões que afetam as pessoas hoje são necessárias. Portanto, examinar as questões sobre a forma e o conteúdo da música na sociedade é uma exigência urgente para que a música tenha um papel cultural importante no futuro.


Notas:

[1] The Enlightenment: And Why it Still Matters by Anthony Pagden (Oxford Uni Press, 2015) p72/3

[2] Revolutionary Romanticism: A Drunken Boat Anthology by Max Blechman (City Lights Books, 1999) p5

[3] Hanns Eisler Vokalsinfonik – Vocal Symphonic Music Berlin Classics CD, Sleeve notes p24

[4] Hanns Eisler Political Musician by Albrecht Betz [Trans Bill Hopkins] (Cambridge Uni Press: Cambridge, 1982) p235/7

[5] Hanns Eisler: A Rebel in Music: Selected Writings by Hanns Eisler (Author), M. Grabs (Editor) (Kahn and Averill, London, 1999) p143

[6] Hanns Eisler Political Musician by Albrecht Betz [Trans Bill Hopkins] (Cambridge Uni Press: Cambridge, 1982) p92

[7] The Triumph of Music: Composers, Musicians and Their Audiences, 1700 to the Present by Tim Blanning (Penguin Modern Classics, 2008) p114

[8] The Triumph of Music: Composers, Musicians and Their Audiences, 1700 to the Present by Tim Blanning (Penguin Modern Classics, 2008) p121

[9] The Triumph of Music: Composers, Musicians and Their Audiences, 1700 to the Present by Tim Blanning (Penguin Modern Classics, 2008) p118/9

[10] The Romantic Rebellion: Romantic Versus Classic Art Illustrated by Sir Kenneth Clark (John Murray Pub., 1973) p167

[11] The Roots of Romanticism by Isaiah Berlin (Princeton Uni Press, 1999) p130

[12] Homer The Odyssey (Penguin Classics, 1988) p141

Autor: Caoimhghin Ó Croidheáin

Traduzido para publicação em dinamicaglobal.wordpress.com

Fonte: Global Research.ca

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